Esta es la respuesta a la crítica que Quim Pujol colgó en su blog de Tea-tron. Desgraciadamente ese blog no admite comentarios, así que cuelgo la respuesta aquí. Y, de paso, me pregunto cómo alguien que me tacha de totalitario puede tener un blog con los comentarios bloqueados (al menos la prensa clásica los recibe a través de las Cartas al Director. Ver para creer).

Ahí va:

Quim Pujol me compara a Eichmann (teniente-coronel de las SS) y, de paso, insinúa que La consagración de la primavera que he dirigido junto a un grupo de artistas mexicanos y chilenos es una pieza fascista. No doy crédito. El texto es grotesco y sobreactuado pero merece una respuesta. Porque me pregunto ¿qué coño tiene que ver el nazismo con la Consagración?

Todos tenemos en la memoria los espectáculos totalitarios que nos ha dejado el siglo XX. Desde el congreso de Núremberg a las paradas militares de las dictaduras del proletariado. Son grandes espectáculos con una estructura cerrada donde se persigue la hipnosis del espectador a través de la fascinación que produce el gesticulante aparato escénico de luz y de color. Sus discursos son unívocos y el espectador es galvanizado contra la duda. ¿Qué tienen que ver esos estilemas con la Consagración? La Consagración enfrenta al espectador a una AUSENCIA. El espectador entra al escenario y allí no hay NADA. Todo va a tener que ser construido para generar un FANTASMA, el fantasma de la memoria de la coreografía de Pina Bausch y, a la vez, el fantasma de nuestra propia coreografía, la de los que estamos construyendo el espectáculo. Nada se afirma delante del espectador, todo va a tener que ser imaginado. Por otra parte, el andamiaje de la Consagración es siempre visible. No hay ninguna herramienta que vaya destinada a producir la fascinación acrítica puesto que va a ser el espectador que construya toda la ficción.

Sí, es verdad que en el espectáculo hay aproximadamente 1000 órdenes repartidas en 3 canales que los espectadores tienen que seguir (si les apetece). En todo caso, infinitas menos de las que se necesitaron para realizar las históricas coreografías de Diaghilev, Maurice Béjart o Pina Bausch, en las que más de 30 intérpretes tuvieron que seguir las órdenes de sus coreógrafos para realizar lo que meses más tarde iba a ser representado ante el público. No creo que nuestro empelucado crítico tachara de nazis a esos coreógrafos por el simple hecho de hacer una coreografía. Es más, esos coreógrafos, como muchos de los que se dedican a la construcción de espectáculos, no sólo dictaron el movimiento de sus intérpretes sino que también dictaron el movimiento de la pupila de los espectadores decidiendo intensidades de luz, entradas y salidas de los intérpretes, etc. La mirada del espectador siempre está dirigida por el que construye el espectáculo.

La única diferencia es que la Consagración que he dirigido problematiza esta relación. El espectador de mi Consagración tiene que decidir a cada momento si se echa al ruedo o no lo hace, tiene que interpretar cada orden, no sólo para entender lo que se está pidiendo sino para realizarlo desde su propio cuerpo y, finalmente, tiene que interpretar lo que el conjunto dibuja, la coreografía que entre todos se está realizando. Tal y como apuntaba una psicoanalista, la Consagración opera sobre el espectador como un análisis. El espectador tiene que atravesar el fantasma de su propio deseo. Se enfrentará a la necesidad de ver un espectáculo puesto que el espectáculo nunca estará frente a él, sobre el escenario, y eso lo hará preguntarse una y otra vez sobre su papel de espectador, sobre aquello que especta.

En este sentido, muy a pesar de Quim Pujol, el espectáculo funciona a las mil maravillas puesto que su histriónica crítica no deja de ser el síntoma que se desprende de su incomodidad de espectador y habla, mas que del espectáculo, de su particular neurosis. Quim Pujol quiere ser diferente. Quim Pujol no quiere hacer lo mismo que hacen los demás espectadores y eso lo lleva a “cruzar el escenario a la pata coja”. La búsqueda de la diferencia siempre fue un drama de salón y las revoluciones de salón suelen ser “a la pata coja”. El verdadero drama es el otro, el del que tiene que reivindicar la igualdad. Y el espectáculo persigue ese sentimiento a través de la danza.

El baile colectivo que se producía en las celebraciones dionisíacas, saturnales o carnavalescas tenía un efecto integrador e individualmente emancipatorio que las clases dirigentes siempre vieron con desconfianza. Por eso se fue prohibiendo. La Consagración retoma ese aspecto emancipatorio de la danza (antes de que ésta fuera convertida en un placer para ser visto y no para ser vivido) y Quim Pujol se coloca del lado de las clases dirigentes, por algo lleva peluca, signo que distinguía a los nobles del populacho. Por eso mismo su ceguera con respecto del espectáculo es ideológica y no circunstancial. Quim Pujol se ve a sí mismo como CRÍTICO y para justificar su posición jerárquica en la pequeña corte de TEA-TRON no puede ser un mero espectador que, como los demás, se embriaga con la música de Stravinsky.

Desgraciadamente se han hecho habituales los discursos críticos encerrados en el laberinto del propio ombligo. Es patética esa ceguera y muy elocuente el exaltado estilo en que se expresa. A veces el estilo explica mucho más que las palabras en sí mismas. ¿No es acaso la vacía pirotecnia verbal que invoca al mismísimo Eichmann donde SÍ se encuentra el estilo del fascismo espectacular? ¿No es acaso en ese rasgarse las vestiduras y hablar de Terror ante la “autoinmolación de la sociedad” donde está la amanerada sobreactuación de la retórica totalitaria? ¿Tener un blog de crítica sin aceptar comentarios que promuevan el diálogo no es acaso un gesto mucho más explícito que cualquier discurso? Si al menos tuviera la gracia de Albert Speer…

Foto de Blenda

En la Consagración de la primavera de Roger Bernat se cruzan lo corporal y lo mental para sacar al sujeto de la ilusión en la que está inmerso, confrontándolo con su propia falla y desnudez. Cuando la obra termina uno se da cuenta de que, como ocurre en la experiencia del Zen, de un psicoanálisis, o como en la vida misma, al fin y al cabo, la representación ha tenido lugar en su cabeza, y uno ha ocupado un rol mucho más activo del que creía tener; se ha visto obligado a tomar decisiones, a dudar de ellas, a echar mano de sus propias interpretaciones, a hacer o a dejar de hacer, a observar y saberse observado, en una rotunda soledad, rodeado de vacío. Bernat da un paso más en el trabajo iniciado en 2008 con Domini Públic y nos sitúa de manera radical frente a nuestro propio deseo de espectáculo, y lo que es aún más interesante, frente a nuestra responsabilidad subjetiva, esto es, nuestra capacidad para dar o dejar de dar sentido a lo que hacemos y nos rodea.

Desde la aparición del discurso postmoderno sabemos que la verdad tiene estructura de ficción, y que la realidad no nos es accesible directamente sino a través del lenguaje y sus significantes. Nuestra experiencia, incluso la de la misma ciencia, sólo es articulable o decible a partir de un sistema de signos interpretables. Sin embargo, hay todavía quienes confunden la interpretación con la realidad misma, imponiéndonos la tiranía de un sentido totalizador. Un mundo sin lugar para el equívoco, para la falla o vacilación de sentido es un mundo de locos, como lo es el nuestro. Por eso cada vez que alguien intenta dar cuenta de ese vacío, de la imposibilidad para explicarlo e interpretarlo provoca en nosotros, por paradójico que parezca, un sentimiento de alegría. Roger Bernat nos recuerda, además, que para conseguirlo no basta con el ejercicio de una intelección, sino que el individuo ha de pagar ese acceso con la experiencia del propio cuerpo.

Vanessa Núñez, Psicoanalista, Junio 2010

Foto de Blenda

Blenda, reputado fotógrafo mexicano, hizo las fotografías del preestreno del espectáculo en el Teatro Milagro (México DF). Son maravillosas y dan una idea bastante ajustada de lo que ocurre durante el espectáculo. Se pueden consultar aquí, un pase de 33 imágenes, la mayoría en un suntuoso blanco y negro.

VIAJAR ES UN LUJO Y COMUNICARSE UNA NECESIDAD

Estos últimos meses hemos estado desarrollando el espectáculo Domini Públic para que pudiera realizarse online. Enviamos la escenografía de la pieza y, desde barcelona, llevamos el control técnico. Como la pieza no tiene más actores que los propios espectadores, sólo nos hace falta tener allí una webcam que nos permita ver qué ocurre en la sala y un pequeño equipo técnico que monte los ordenadores que gobernamos desde Barcelona.

El 5 de marzo es la primera vez que mostramos el mecanismo al público: Festival Via (Mons, BE). Funciones a las 18:30 y a las 21:30 hs.

Equipo Domini Públic Control Remot: Dirección: Roger Bernat. Jefe técnico: Txalo Toloza. Desarrollo: Lluís Gómez Bigordà (Hangar). Control de redes: Aleksei Hecht. Audio: Juan Cristóbal Saavedra Vial. Coordinación: Helena Febrés. Producción: Le manège.mons/ CECN (BE) y TechnocITÉ (BE), en el marco del programa Interreg IV Transdigital, Hangar (ES) y Elèctrica Produccions. Con la colaboración de IBBT (Ghent-BE).

Ayer lunes empezamos los ensayos de TEATRO HABLADO, un nuevo proyecto que se estrenará en México DF y Barcelona durante el mes de Mayo del 2010. Los ensayos serán en Coyoacán junto con los alumnos del Taller que hicimos en Pachuca el año pasado. Seremos un grupo de 10-12 personas que trabajaremos con una primera premisa: instalar una grada en una plaza.

Para seguir el proceso Txalo ha abierto un nuevo blog.

La foto está tomada en una calle cercana a la plaza en la que estrenaremos el espectáculo. Me hizo pensar en el trabajo en equipo.

Al Festival Temporada alta de Girona estrenem PURA COINCIDÈNCIA obra basada en el text de Peter Handke Insults al públic.

Première at Festival Temporada Alta of new show Pura Coincidència based on Offending the audiance by Peter Handke.
Sala La Planeta  de Girona
Divendres 13 de novembre 22h00
Dissabte 14 de novembre 20h00

La Práctica de Creación programada en La Poderosa se ha aplazado a los días 11, 12 y 13 de Diciembre (mismo horario, mismo lugar)

Ayer  (07/01/09) había un artículo de Catalina Serra que hablaba de todo ello en El País. Se titula Obras:

Aún vivimos en la cultura del tocho. Y no me refiero sólo a la industria inmobiliaria, omnipresente aún pese a la crisis. No. Me refiero a la “cultura” del tocho. A esta sensación de que para poner en marcha cualquier proyecto cultural hace falta siempre hacer obras. De hecho, algunas veces las obras acaban convirtiéndose en el único proyecto cultural.

Algo de esto ha pasado en el Palau de la Música, en donde las obras, de ampliación o de reforma, han sido durante años el principal activo cultural de la institución, la razón de su prestigio. Es verdad que el edificio es extraordinario y su recuperación ha coincidido con la revalorización de la arquitectura modernista, en estos momentos la gran baza turística de Barcelona, pero incluso sin el saqueo de Fèlix Millet no parece justificada tanta desproporción entre lo que se ha invertido en el tocho y, vistas las muchas críticas que a estas deshoras tiene su programación musical, lo destinado a las corcheas.

Y no es sólo el Palau. Cada vez que ha habido un nuevo proyecto para el Centro de Arte Santa Mónica la decisión más urgente e inmediata ha consistido en hacer obras de reforma. Si se decide hacer un museo del diseño, antes que nada se diseña un macroedificio. Para ayudar a los artistas emergentes lo primero que se piensa es en recuperar edificios, en los que hay que hacer obras, para instalar allí “fábricas de creación”. Incluso los centros “acabados”, como el Auditori, el CCCB o el MNAC, por citar algunos, siempre tienen pendiente alguna obra…

Es como una epidemia. Llevamos décadas invirtiendo grandes cantidades de dinero público en hacer obras que se suponen imprescindibles para poder ofrecer cultura de calidad. El problema es que cuando llega el momento de invertir en la cantera, de plantear programas ambiciosos, de gastarse los cuartos en grandes producciones, en formación, en investigación o en compras, ah!, entonces se acabó el dinero. O las ideas. O tal vez la cultura no da para más… O lo único que interesa de la cultura es que es una excelente excusa para hacer obras y dejar así para más tarde la función principal.

En fin, Maragall tal vez no lo recuerde, pero hace ya tres lustros dijo que había llegado el momento de farçir el gall. Pensábamos que de piñones. Y no, se ve que era de tochos.

Recibí una llamada de María Llopis. “Doy un taller en Arteleku dentro de un rato, ¿puedo usar el mecanismo de Domini Públic?” Al cabo de unos días me contó que había ido muy bien. La foto parece una prueba. Así que ya corre por ahí una versión postporno de DP.

Para ver la foto a todo color y para más detalles: María Llopis.

Lo que más me sorprende de esta fotografía no es la desnudez, tampoco la distancia que la separa de las fotografías pornográficas al uso, sino la actitud de los retratados. No hay pollas erectas ni composiciones atléticas sino una situación insólita. No se trata de la desnudez. Me imagino esta misma situación con personas vestidas y me sorprendería casi lo mismo. Lo singular de la imagen es ver un grupo de personas que no hacen nada productivo. No posan, no trabajan, no van a ninguna parte, sólo se observan gozar unos a otros como “perdiendo el tiempo”. Ese es probablemente el aspecto más provocativo de la imagen.